视觉错觉和永恒的图像——保罗·塞尚的画作

一、视觉幻象与永恒的图像——保罗·塞尚的绘画（论文文献综述）

吴伊宁^[1]（2021）在《云南八十年代油画中的原始趣味》文中研究指明本文以云南80年代油画作品作为主要研究对象。通过对其中代表性作品的形式与精神的综合分析,深入研究其中的“原始趣味”特点。同时探究其形成的多方面因素。首先,从历史角度对云南80年代油画的整体发展情况做出了简要的疏理和介绍。并通过图像的对比分析云南80年代油画作品与原始美术在形式上有相类似的表达手法,即对造型的简约概括处理、色彩上更倾向于主观情绪的表达、线条的质朴有力和构图上的物象组合随意以及画面透视空间不清晰等特点。另外,云南油画家在创作中对于自我情感的主观抒发也是原始美术精神特征的一种表现。处于观念转型期的80年代的油画家在对自我和社会产生焦虑的情况下也更容易转向早期的艺术形式寻求精神慰藉,从而体现出有目的原始情结。其次,笔者选取4位具有典型性的云南油画家毛旭辉、张晓刚、曾晓峰、马云。对他们的作品进行具体的形式分析并结合他们各自的创作精神和经历来解读其中的“原始趣味”。在此基础上笔者发现他们画面中出现的“原始趣味”受到来自方方面面的影响,包括当时的中国油画需要创新的大环境背景、本土少数民族美术中简、拙、奇、幻的外部特征影响以及西方现代主义艺术中的原始精神的启迪。最后,“原始趣味”可以作为云南油画构建地域性画风的一个特点,通过对其在风格的确立、本地民族文化的传承、精神上的表达这些方面做出论述,发现具有一定的积极意义。

曹斌华^[2]（2021）在《设计基础课程的整合与重构 ——以南京艺术学院教学实验为例》文中指出随着数字化设计从普及到升级到变向的发展过程,当代设计发生了突飞猛进的变化,已然超越了简单的视觉图像层面而趋向于更为综合、系统与跨界。然而,大部分院校的设计基础教学却不容乐观,年级分段式的、简单化的、被分割的单元课程学习模式,依旧涵盖于几乎所有国内院校的设计教学之中,即所谓的素描、色彩、装饰及构成等课程。由此可知,专业化与碎片化的分门别类的知识训练和当下综合性与交叉性的设计发展趋势的矛盾,已然对设计教育特别是设计基础课程方面提出了严峻的挑战。针对此问题,本文应对的方法及研究方向即是:通过课程的整合与重构,尝试建构起一种主题性、综合型的设计基础教学模式,以课题整合与作业编排为教学方法,以多种形式“语法”、“手法”、“看法”为作业途径,从而对基础教学展开反思与实验。本论文首先以包豪斯设计基础教学的整合性、多元性特质为讨论的出发点,在其课程的整体架构中反思中国自身设计教育在诸多方面过于碎片化的问题;其次,依据教育学视野和学科学理的角度讨论专业发展、现实情境以及学生条件等三方面的设计现状;再次,以整合的角度对中外国际联合教学工作坊、建筑设计以及当代艺术等相关基础教学的课题展开参照性地描述;从此,以设计基础的基本要素作为出发点揭示出以“形式”为学理取向的设计基础课程的发展方向;最后,以课程模式、课题设计、作业条件、主题切入等内容作为课程整统的要点,以此展开“整合”观念下的“物象”、“方法”、“交叉”、“专业”等四类方向的12个主题性、综合型设计教学案例的讨论,并对教学成效进行记录与分析。本文所提及的主题性教学法的核心是通过课题整合手段,将原有以技法、材料为区分的课程内容重构于主题之下,并围绕简单到复杂的系列主题教学单元展开教学活动与实践。这一教学改革旨在打破分门别类的传统课程模式,倡导教学理念回归到设计学交叉性、跨学科性的特质中,并与当下极具整合意义的设计趋向相吻合,因此,对于设计基础中新教学体系的构建具有一定的学术价值和实践意义。

张鹏^[3]（2021）在《20世纪西方视觉现代性理论的谱系研究》文中提出20世纪后半叶视觉研究作为西方现代性启蒙的一部分,是否提供一种价值判断的标准,还未得到充分阐释。在20世纪90年代随着各种视觉文化读本及其研究方法论的出现,视觉文化的理论建设工作已然成为研究的焦点。在此思潮下,视觉文化不仅仅被看作一种跨学科性的研究方法论,更是重新获得了其特有的独立和自治身份。但现有的这些视觉文化的理论研究并没有构筑成一个普遍有效的理论体系,它们彼此孤立于自身的视觉研究领域,只通过强行打开的一个文化研究的范围,或是与某些跨学科性的知识专业的综合体建立少量的联系。本文意在通过西方视觉现代性理论的谱系研究,为视觉文化的理论建设提供系统性的认知视角,有助于为全球化语境下的艺术文化现象作出一种价值判断论的导向。本文的第一部分通过解读杰伊的视觉政体研究方法,可以发现西方哲学话语中隐藏着一条关于视觉性隐喻的正反叙事,作者成功地将视觉文化研究重新纳入到西方现代性哲学话语的传统之中。第二部分分析了米歇尔的图像转向并对该理论展开批判,即指出其为一种虚假生命的形象科学。第三部分分析了克拉里的视觉技术考古学,指出克拉里过分强调资本主义对观察者身体注意力问题的操控,忽视了视觉现代性中本雅明关于辩证意象的启蒙路线。第四部分分析了德波的景观社会,指出了他作为一种景观的否定性力量,为视觉文化理论提供了阐释的路径;而德波在景观社会语境下提出的总体都市主义计划,也将研究目光转向了作为视觉民族志的艺术人类学理论。本文对四种视觉文化理论固有的现代性方案进行并置且提出批判,同时着重引出德波的“景观社会”概念,即这位逐渐被视觉文化研究者所淡忘的马克思主义异化论的学者,使其重新返回到西方视觉现代性可行性方案的谱系之中,将视觉现代性谱系的目光转向对资本主义意识形态的批判上来。

张振江^[4]（2021）在《向死而生 ——安塞姆·基弗艺术研究》文中进行了进一步梳理本文以德国当代艺术家安塞姆·基弗的艺术为研究对象。基弗艺术独具特色的画语使其成为当代艺术界的一道亮丽风景。由绘画语言与绘画言语统合而成的画语,包括物质、痕迹、图像、主题、题材、思想、修辞和场域等,对于艺术创作和研究而言至关重要。基弗以“置之死地而后生”的雄心壮志,创造了一种“无界”的多元性画语呈现。他的艺术摆脱了现代主义艺术滑向装饰愉悦的倾向,而重回艺术的崇高精神;是现代主义艺术对古典艺术艺术超克之后的再超克;是对包括现代主义艺术在内过去诸种艺术的超越与融合。他的艺术实践创造了一个承载精神的物化空域——填充空白空间,一个个人的宇宙。在20世纪70-80年代现代艺术陷入困境时,使绘画艺术获得了新生,因此被誉为“绘画艺术的拯救者”。目前,在当代绘画艺术日渐式微的情境下,研究安塞姆·基弗的艺术,特别是其中的画语,对深挖艺术的真谛,赋予绘画艺术以更强劲的发展动力,具有巨大的理论和现实意义。本文利用结构主义方法,将安塞姆·基弗的艺术置于由独特的历史环境、地理环境、人文环境、家庭环境及艺术个性的整体框架下。再以解构主义的方式对安塞姆·基弗的混合型艺术思想、独特的造型观念、超常的造型方式、无界的物质媒介、总体性的组织逻辑、多种结合的形式特征、多重来源的图像生成和开放循环的工作空间等画语关系,逐个进行全面且深入地研究。在此基础上,进一步理清当代艺术的画语秩序,跳出陈旧的传统画语,拓展开放的多元性画语形态。同时,通过对安塞姆·基弗画语的研究进一步领悟中国当代艺术和自己艺术发展的合理路径——艺术家需要探查心灵,触摸灵魂,发现“本我”,感受“自我”,表现“超我”,形成“我”的画语体系,创作“我”的艺术。

张天翼^[5]（2021）在《保罗·克利艺术研究分析》文中研究表明本论文将对德国表现主义艺术家保罗·克利的艺术绘画进行系统的分析研究。作为蓝骑士的成员,包豪斯建筑学院教授和杜塞尔多夫艺术学院教授,保罗·克利（Paul Klee）的艺术在德国艺术史中具有重要的地位,本文案将对克利艺术创作和他的艺术教学做出分类研究。保罗·克利独一无二的艺术之路是源自他的时代塑造,他触及人心的作品与他独特而有效的教学成果,表现出当时德国艺术的精神极点,用保罗·克利自己的话来概括:“一个真正的艺术家所追求和为之奋斗的应该是艺术的形式,它比创作的灵感更加重要,形式在不断地发展着,变得越来越有力量。而艺术家只有经历巨大的努力才能够驾驭它。因为在创作灵感和最终艺术表现之间有着无限的差距,我无法克服它,我只有等待”。通过对德国现代艺术家保罗·克利（Paul Klee）艺术风格进行系统的分析研究,为的是更加深入地了解保罗·克利个人艺术创作的转变背景以及理论与创作研究的经验,最后由论文分析生成总结与对笔者创作产生的重要启示。第一章导论部分对保罗·克利的艺术发展经历做了一个较为系统的由时代背景到艺术家个人的剖析。包括艺术家生平与主要艺术成就、选题背景、研究目标、研究价值、研究内容、研究方法及论文框架。第二章对保罗·克利所处的时代及其艺术成长经历过程中对他产生影响的一些人物或艺术流派进行系统的梳理。首先是对克利初在慕尼黑所接受的艺术教育和他的早期创作（作品）做出分析;其次是他的意大利之行对他后来的艺术转变有什么关系。包括他的巴黎之行,进一步澄清当时的印象主义和象征主义对他的影响。其次论述意大利之行对保罗·克利的影响。第三章重点阐述克利的重要成就,主要是他在“蓝骑士”期间所做出的努力,以及在这一阶段产生的主要风格作品的解析。作为对一位在世界艺术史做出特殊形式探究的艺术家的分析研究,进一步阐明了保罗·克利在担任包豪斯和杜塞尔多夫艺术学院教授期间所做的艺术教育方面的教学探索研究,分析其后期的大部分作品,了解他在各时段的思考与实践。第四、五、六章着重于保罗·克利作品分析。以克利对哲意的、童话和相关精灵的形象描绘做出相应的探究解析。通过其作品的语境及绘画语言,如具体的“线条”、“色彩”、“时间”与“空间”等隐喻表达,对保罗·克利的艺术作品所蕴含的内在创作动机与法则做出探究分析。本论文力求在各章节过渡转述的衔接中,穿插、引入克利在音乐与诗文写作方面的内容,将克利完整的人文精神和个人志趣的阐述以作为他艺术生成发展的补充内容,形成一个侧面的引导,以丰富和加强论据的弹性。第七章总结保罗·克利的艺术教育思想及其创作过程中的“实践理念”。第八章结论与启示。本文结合了笔者的毕业创作体验,对克利绘画艺术研究总结做出个人的判断。其中包括论文涉及的克利形式表现对笔者在技术与创作意识方面的反馈,集中阐释创作必须经历的图式规划,以及绘画线条、色彩、平面构成关系和绘画动机与思想主题的关系。

周栋^[6]（2021）在《社会景观 ——当代风景绘画研究》文中指出“风景”是?类赋予的词汇,本来没有风景、风景是在?眼中的投射,?和风景之间?直有着丰富微妙的关系。??是社会性的,?类改造了风景,风景也影响了?类,风景的概念也同时具有了社会属性。伴随着社会环境的变化和?络图像的发展,在当代、风景越来越呈现为?种“社会景观”,当代风景绘画也不再仅仅是?观看?然、表现风景、寄情于景的孤?过程,“社会景观”欲探讨的问题是关于20世纪下半叶以来伴随着全球化科技?发展和多元化城市化进程中,中西?社会呈现的新景观,包括城市景观、历史废墟、?然环境、?络数字化图像景观与当代风景绘画的关系。那么当代社会景观下风景绘画的形态发?了什么样的变化?在全球?络信息化、数字影像与??智能的时代,艺术表现多元化、跨媒介化的当代语境中,当代风景绘画又产?了什么样的变??本?从当代风景绘画中的隐喻和象征、现实社会景观和绘画的关系、新的?络图像时代的风景绘画这三??向展开当代风景绘画的论述,着重研究了当代风景绘画与历史、政治、社会、个体记忆、环境、?然、图像、科技的关系,发现当代风景绘画中隐藏的“密码”。当代风景绘画作为艺术家个体的艺术表达是折射出了强烈的社会性以及政治、历史、环境影响下的个性体验,是个体精神与社会景观的结合,并不是表象意义下的现实景观的客观表现,?是?的精神与观念思考在现实社会景观上投射的结果。当代艺术家在汲取传统绘画语?表达的基础上不断的探索实践,深??泛的与社会历史?化、?常?活环境、新兴的媒体图像以及?络科技相结合,并且结合个体的思考和实验打开了更?的视?,从?使得当代风景绘画在观念形态和形式语?都呈现出崭新的?貌。

王炎^[7]（2020）在《西方艺术家传记片绘画性影像表意功能研究》文中研究表明西方艺术家传记片是以西方艺术史上重要艺术家的生平事迹为基础创作的故事片。本文中的西方艺术家传记片专指以西方画家为传主的传记片。该类传记片在遵循“历史的真实”基础上,根据电影人的想象和艺术加工塑造出一个个兼具时代特征与风貌的典型艺术家形象。其中,为了深入挖掘传主艺术特质、呈现其艺术作品和风格,导演大量使用了一种独特的表意符号——“绘画性影像”。“绘画性影像”是艺术家传记片艺术性地呈现其所指时使用的一种具有“挪用”性质的言说方式,它是附丽着作为意识个体的传主某种特定的意欲类型的语言符号,包含着特殊的艺术价值和美学意蕴。本论文在赫施的意欲类型、皮尔斯的符号类型学、电影修辞等相关理论关照下对西方艺术家传记片中的绘画性影像这一独特的表意符号进行综合考察和系统分析,以期对电影语言、电影美学的研究起到补充和丰富作用。本论文共分为六个部分。绪论部分,对西方艺术家传记片的研究现状进行梳理,阐明了当下西方艺术家传记片研究的主要方向和空缺,讨论了选题的研究意义。第一部分从高度相似的演员造型、高度写实的镜头语言、高度还原的布景道具三方面还原阐释了特定时代语境下的典型艺术家形象与艺术风格。第二部分,绘画性影像以搬演、拼贴等形式参与影片叙事,实现了对本事的还原、对影片叙事性的强化或弱化的表意功能。电影人普遍使用绘画性影像诉说艺术作品的内涵蕴意,进一步剖析作品背后艺术家面临的病痛折磨、情感打击、创作危机等不同生存状态,从而再现传主瑰丽传奇的艺术人生。第三部分,绘画性影像基于其与艺术作品异质同构的特性,在影片中实现了互文的电影修辞效果。本节将绘画性影像中的色彩、光线、构图等镜头语言和符号元素与艺术作品中的绘画语言、元素进行比较分析,体现了互文修辞对影片风格形成的重要作用。第四部分,西方艺术家传记片中绘画性影像的艺术价值。本节归纳了绘画性影像在西方艺术家传记片表意系统中,对于艺术家形象的重塑以及影片艺术风格的影响的关键意义和价值,并总结出其在一般电影中深化主题意蕴等表意功能。结语,绘画性影像再现并建构了艺术家形象、艺术人生、艺术作品之间的紧密互动关系,既承载了艺术家创作的原义,也反映出电影人对于艺术家和作品的读解和体悟,是影片建构意指内涵和传达意义的关键所在。同时,绘画性影像作为一种与艺术家和作品密切相关的视觉形象符号,有效地参与到广义的文化表意实践中,成为意义生产和传播过程的一环。

徐任^[8]（2020）在《纳比派绘画风格研究 ——以《画室》系列油画创作为例》文中进行了进一步梳理纳比派是19世纪末由法国朱利安美术学院的学生们创立的一个现代艺术流派,主要成员有德尼、塞律西埃、维亚尔、博纳尔等人,其绘画风格的主要特征体现为象征性、装饰性和折衷主义的倾向。纳比派画家们的象征主义风格,其实是对印象派的反叛,反对印象主义对现实的视觉再现,主张以改造自然来表达画家的主观情感。装饰性是纳比派画家们的另一风格特征。在纳比派画家所处的那个时期,欧洲艺术家对日本浮世绘普遍都很感兴趣,除了维亚尔有一些装饰手段来自家族的纺织品纹样和其他画家一些阿拉伯纹样的运用之外,大部分都呈现出一种日本浮世绘式的平面化的装饰风格。另外,纳比派具有折中主义的倾向,表现出一种对传统风格的“精炼”融合。《画室》系列油画是在对纳比派形成与发展的历史及相关理论研究的基础上,吸收运用纳比派的象征与装饰的风格进行的创作实践。在创作中,同时也辩证地反思了折中主义所带来的问题。今天的观众对艺术品的看法比一百年前要开放很多,纳比派已经不那么“现代”了,所以当代的作品没有必要为了迎合大众审美向更传统的风格去“折中”,当下向纳比派学习的本身也许就是一种“精炼”传统风格的折中。《画室》系列油画以及十二幅画面两行六列的组合展示方式来呈现,作品在追求象征性、装饰性和加入一些对纳比派代表画家的致敬元素的基础上,也有一些符合时代精神的创新,即在创作中融入了时间与空间交错的概念,用“画室”特有的象征符号体现现代性。

温莉莉^[9]（2020）在《保罗·克利绘画中的图形发生现象研究》文中研究表明“生成比存在更重要”是保罗·克利1914年在谈到艺术——自然——自我之间关系时的艺术思考。他认为当足够熟悉某种创作方式时,对作品或者对象的强烈的感觉便会消减,因此他的创作风格在不断变化,他也在不断寻求新的创作方式。19世纪末20世纪初欧洲也面临着相似的科学危机,工业对人的操控,加速了人的异化,艺术家开始关注人性,重新建构人与自然的关系。在众多的现代派画家中,保罗·克利独树一帜,他的作品中一方面是数学图式的集合,一方面是情感诗意的象征,他在把绘画作为视觉知识进行研究,从深层次建构科学与艺术的关系。在我们数字化的时代,绘画已然从表象的描摹转向图形的认知,这使克利对图形发生的探索与建筑成为我研究的重要对象。本文以图形发生学的视角,着重研究现代派艺术家保罗·克利的绘画艺术中的图形发生现象,通过分析克利对自然的认知依据,探讨艺术家重新构建人与自然的方式,探索画家如何将感性经验与理性逻辑相结合,进而转化为视觉知识的途径。从视觉知识的角度,通过对克利的言论及作品图形的分析,结合具身认知心理学,研究克利绘画中的理性与其丰富的感性经验复述之间的内在联系。通过诠释克利在重构自我与自然、社会息息相关的统一关系过程中的种种创作现象,探讨各种充满“童趣”的图形发生的内在创新机制。从而重新审视自我、自然、再现、表现等传统艺术范畴概念在艺术创新过程中的相互关系。

王戈^[10]（2020）在《多重维度 ——贾科梅蒂1935年之后的雕塑研究》文中研究指明阿尔贝托·贾科梅蒂是西方二十世纪艺术史中的重要人物,他的创作生涯从二十年代开始,后来跨越二战,历经了多种风格的演变。贾科梅蒂与二十世纪上半叶的各个艺术运动有着密切联系,与现代主义时期各个思潮中的中心人物保持紧密交往,可以说是现代艺术中一个节点式的人物。他最为人熟知的是其创作的瘦长人物形象对以往雕塑形态的颠覆,并由于他在二战后与存在主义诸理论家对世界及人的生存状况诸理论互为启发,作品得到萨特等人的阐释而达到了世界范围内的影响力。鉴于贾科梅蒂一生创作所具有的时间跨度和风格多样性,本文将聚焦于艺术家1935年从超现实主义回归具象写生到他1966年去世之间这三十年的雕塑作品展开论述。在这个阶段的创作中,贾科梅蒂的作品依然是具有丰富复杂之面向的,因此本论文的题目“多重维度——贾科梅蒂1935年之后的雕塑研究”即构成笔者的写作思路,也就是立足于贾科梅蒂后期的雕塑作品,分析其所具有的“多重维度”。“多重维度”包含以下几个方面:首先本论文的第一、二章是贾科梅蒂的“阐释维度”,围绕着对理解贾科梅蒂形成重要影响的存在主义和现象学阐释进行文本和理论分析,同时兼顾在中国语境下对贾科梅蒂的接受和研究,他是在什么背景和时机下被引介到中国的,我们是如何理解这位艺术家的,这其中产生了什么样的新解读甚至误读?第二重“维度”将通过论述贾科梅蒂的人像作品尤其是头像来聚焦于贾科梅蒂的视觉问题,他之所以重回具象正是因为有着强烈的主观视觉,想要更清楚的观看,并将这种主观观看的真实注入到作品中,这些都是以对人物头像的写生为主要阵地展开的。第三重维度将围绕贾科梅蒂后期创作中的一段特殊时期展开,以此来探讨贾科梅蒂雕塑中的语言和形式问题,他所要处理的主题与形式的关系问题以及他如何在作品中处理与时代思潮的关系问题,并在受到先进思想影响的同时保持个人的独立性,以艺术的语言折射时代精神状况的。本论文在前两章主要使用理论分析的方法,考察贾科梅蒂与阐释话语的关系,从第三章开始回到作品本身,主要使用图像学和形式分析的方法,并将作品与他《文集》中的思想阐述和写作相对应,力图展示和还原一个真实的,而不是被层层阐释话语包裹的艺术家贾科梅蒂。

二、视觉幻象与永恒的图像——保罗·塞尚的绘画（论文开题报告）

（1）论文研究背景及目的

此处内容要求：

首先简单简介论文所研究问题的基本概念和背景，再而简单明了地指出论文所要研究解决的具体问题，并提出你的论文准备的观点或解决方法。

写法范例：

本文主要提出一款精简64位RISC处理器存储管理单元结构并详细分析其设计过程。在该MMU结构中,TLB采用叁个分离的TLB,TLB采用基于内容查找的相联存储器并行查找,支持粗粒度为64KB和细粒度为4KB两种页面大小,采用多级分层页表结构映射地址空间,并详细论述了四级页表转换过程,TLB结构组织等。该MMU结构将作为该处理器存储系统实现的一个重要组成部分。

（2）本文研究方法

调查法：该方法是有目的、有系统的搜集有关研究对象的具体信息。

观察法：用自己的感官和辅助工具直接观察研究对象从而得到有关信息。

实验法：通过主支变革、控制研究对象来发现与确认事物间的因果关系。

文献研究法：通过调查文献来获得资料，从而全面的、正确的了解掌握研究方法。

实证研究法：依据现有的科学理论和实践的需要提出设计。

定性分析法：对研究对象进行“质”的方面的研究，这个方法需要计算的数据较少。

定量分析法：通过具体的数字，使人们对研究对象的认识进一步精确化。

跨学科研究法：运用多学科的理论、方法和成果从整体上对某一课题进行研究。

功能分析法：这是社会科学用来分析社会现象的一种方法，从某一功能出发研究多个方面的影响。

模拟法：通过创设一个与原型相似的模型来间接研究原型某种特性的一种形容方法。

三、视觉幻象与永恒的图像——保罗·塞尚的绘画（论文提纲范文）

（1）云南八十年代油画中的原始趣味（论文提纲范文）

（2）设计基础课程的整合与重构 ——以南京艺术学院教学实验为例（论文提纲范文）

（3）20世纪西方视觉现代性理论的谱系研究（论文提纲范文）

（4）向死而生 ——安塞姆·基弗艺术研究（论文提纲范文）

（5）保罗·克利艺术研究分析（论文提纲范文）

（6）社会景观 ——当代风景绘画研究（论文提纲范文）

（7）西方艺术家传记片绘画性影像表意功能研究（论文提纲范文）

（8）纳比派绘画风格研究 ——以《画室》系列油画创作为例（论文提纲范文）

（9）保罗·克利绘画中的图形发生现象研究（论文提纲范文）

（10）多重维度 ——贾科梅蒂1935年之后的雕塑研究（论文提纲范文）

四、视觉幻象与永恒的图像——保罗·塞尚的绘画（论文参考文献）

• [1]云南八十年代油画中的原始趣味[D]. 吴伊宁. 云南艺术学院, 2021(12)
• [2]设计基础课程的整合与重构 ——以南京艺术学院教学实验为例[D]. 曹斌华. 南京艺术学院, 2021(12)
• [3]20世纪西方视觉现代性理论的谱系研究[D]. 张鹏. 西安美术学院, 2021(12)
• [4]向死而生 ——安塞姆·基弗艺术研究[D]. 张振江. 中央美术学院, 2021(09)
• [5]保罗·克利艺术研究分析[D]. 张天翼. 中央美术学院, 2021(08)
• [6]社会景观 ——当代风景绘画研究[D]. 周栋. 中央美术学院, 2021(08)
• [7]西方艺术家传记片绘画性影像表意功能研究[D]. 王炎. 河南大学, 2020(02)
• [8]纳比派绘画风格研究 ——以《画室》系列油画创作为例[D]. 徐任. 苏州大学, 2020(03)
• [9]保罗·克利绘画中的图形发生现象研究[D]. 温莉莉. 山西大学, 2020(01)
• [10]多重维度 ——贾科梅蒂1935年之后的雕塑研究[D]. 王戈. 中央美术学院, 2020(12)

标签：风景论文;  当代艺术论文;  风景油画论文;  视觉文化论文;  艺术论文;